“ Non
mi piace affatto la pittura ragionevole ...
Bisogna soddisfare un antico fermento,
un
fondo nerissimo”.
Eugène Delacroix
“ Amate con devozione
i maestri che
vi hanno preceduto”.
François-Auguste-René Rodin
“ è
al museo che si prende il gusto
della pittura che la natura da sola
non sa
darvi. Non si dice sarò
pittore davanti a un bel posto,
ma davanti a un
quadro”.
Pierre-Auguste Renoir
“Dove c'è la forma, c'è la bellezza,
e sulla tela non c'è il
tempo
né il tradimento. E' il solo
modo di possederle per
sempre”.
Melania G. Mazzucco
La poetica edificata da Roberto Ferri conosce non pochi punti di contatto con
Giorgio de Chirico; nonostante ciò, l’universo immaginativo del giovane pittore
si presenta come abissalmente diverso da quello del Grande Metafisico. Come de
Chirico, Ferri è, in parte, un nemico giurato del Modernismo e delle Avanguardie
Storiche; rifiuta, infatti, la ricerca di novità linguistiche e formali ad ogni
costo. Con l’artista del “dio ortopedico”, Ferri ritiene che ogni opera d’arte
degna di questo nome traduce in forme plastiche un annuncio, un messaggio, un
credo filosofico ricco ed articolato. L’arte, dunque, presuppone una dimensione
mitica ed è creazione di nuovi miti oltre che manipolazione di quelli già
offerti dalla civiltà classica. Come dicevamo, solo in parte rifiuta però il
lascito delle Avanguardie Storiche; non accetta l’antireferenzialismo, ma si
accosta al Surrealismo del quale condivide il visionarismo estremo, l’onirismo e
l’irrealismo di fondo. Come de Chirico, il giovane pittore anacronista si
rivolge al museo e, di conseguenza, respinge decisamente l’iconoclastia messa in
circolazione dai futuristi e dai dadaisti; si muove in questa direzione perchè
nutre una fede incrollabile nell’opulenza dell’arte. Di conseguenza rigetta ogni
forma di minimalismo e riduzionismo i quali, sostiene, non sono in grado di
affrontare quel mito a cui l’arte deve invece dedicarsi completamente. Che cosa
spinge Ferri a coltivare così intensamente la dimensione mitica dell’arte?
Rispondere, e scoprirlo, non è difficile.
Per il tarantino, il mito altro non è se non il documento inequivocabile
dell’inattualità; infatti la grande nemica di Ferri è l’idea secondo cui l’arte
deve essere contemporanea del proprio tempo. Per il nostro, al contrario, l’arte
coltiva l’estraneità, la periferia, la diserzione; da qui la scelta della
pittura contro la “strategia dell’impurità” coltivata dal Dadaismo e dalle
Neoavanguardie. Prima di proseguire, leggiamo almeno una delle opere presenti in
mostra, per verificare quanto abbiamo detto fin qui. All’interno
dell’esposizione prima londinese, poi romana e newyorkese, Le Delizie infrante
rappresenta senz’altro un punto fermo. Da una puntura che colpisce un “fanciullo
divino”, s’innalza una cattedrale delirante di corpi. Bellezza, eros, lussuria
delle forme ed orrore si accavallano all’interno di un caos traboccante che non
si stacca però mai da quella fede museale che rimane la stella polare della
ricerca ferriana. Al culmine della convulsa e sublime ascensione, un efebo
innalza uno scettro-sesso femminile; il sangue linguistico ed immaginativo che
scorre nelle vene di questa composizione, esattamente come accade per tutte le
opere del nostro, è un sangue che si nutre di dissimilitudine. Ciò significa che
il “neocaravaggismo” ferriano non è assolutamente passatismo, bensì, lo
ripetiamo, si presenta come visionarismo ed onirismo conclamati e definitivi. E’
qui che Ferri segna la sua distanza da de Chirico; il Grande Metafisico spinge
l’arte sul terreno della disumanità; il pittore anacronista invece armonizza
eros e dissimilitudine. Ciò significa che il fruitore, se da una parte si trova
a dover fare i conti con una grafia disegnata all’interno di una dimensione
impossibile, dall’altra incontra il punto fermo del corpo e della sua seduzione.
Siamo così all’orizzonte filosofico all’interno del quale si muove il giovane
maestro.
Contro il perbenismo borghese l’artista mette in campo l’arma
esacerbata e puntuta del sadismo; questa però non altera la bellezza dei corpi
maschili e femminili che Ferri colleziona ad ogni passo. Sta qui
l’antiplatonismo radicale che costituisce il “basso continuo” dell’intera
poetica ferriana; sta qui, paradossalmente, l’attualità dell’inattualeFerri.
Perchè il discorso di questo “innamorato del museo” è attuale? Perchè, grazie ai
diversi fondamentalismi, riappare oggi Platone e quindi è con Platone che
bisogna tornare a fare i conti. Platone stabilisce la massima distanza fra il
corpo e la verità; l’artista, al contrario, riconduce la verità all’interno del
corpo; anzi, il corpo della verità rivela il corpo, trionfalmente e
semplicemente. Il corpo offerto dal giovane maestro non è però lo stesso della
società consumistica; la sua è la carne che, grazie allo “scandalo della
memoria”, è ricondotta ostinatamente all’interno della grande storia dell’arte
dell’Occidente. Cioè è riportata all’interno di quella bellezza che Ferri non
vuole assolutamente perdere, perchè non accetta che l’opera possa essere confusa
con l’oggetto quotidiano. In questo modo, l’opera si vede costretta a confermare
il suo essere irriducibile al mondo; l’opera ferriana accetta il mondo solo
nella misura in cui questo fornisce la gamma dei mille corpi sui quali il nostro
può esercitare il suo delirio. Tutto questo, sempre e comunque all’interno della
macchinazione messa in atto dalla pittura. Per l’ennesima volta, perchè questa
apoteosi della pittura? Per il semplice motivo che, per Roberto Ferri, solo il
quadro rappresenta il luogo privilegiato e “magato” nel quale può degnamente
manifestarsi la menzogna dell’arte: quella menzogna che l’artista ritiene essere
l’unica verità possibile ed immaginabile.
Prima di lasciare Roberto Ferri, non possiamo non accennare ai rapporti fra
l'artista ed il dibattito estetico contemporaneo; ciò significa tirare in ballo
Arthur Danto: vediamo di che si tratta. In estrema sintesi, il critico e
filosofo americano sostiene che la “morte dell'arte” sarebbe stata causata dal
trionfo della filosofia sull'arte stessa. Avanza l'esempio eclatante (e per lui
decisivo) dei lavori di Andy Warhol, i quali sono identici ai prodotti che
troviamo comunemente nei supermercati. Ora, solo grazie ad una teoria, dice, le
opere dell'artista pop si distinguono dagli oggetti che affollano il banale
quotidiano. Il tramonto dell'arte non significa poi che gli artisti non
continuino a lavorare: significa soltanto che il loro fare può essere
tranquillamente definito “poststorico”. Se tutto è possibile, infatti, non
esiste più nessuna forma d'arte che sia “ambasciatrice esclusiva della storia”.
Questo discorso si regge su un presupposto, che è quello della verità unica
avanzata dalla Pop e dalle Neoavanguardie; ora è proprio questa “verità unica”
che viene respinta dal tarantino. L'idea che Ferri ha dell'arte, come dicevamo,
è infatti del tutto opposta a quella della “linea vincente” della ricerca
contemporanea. Da qui la scelta apertamente e scandalosamente anacronista
avanzata dall'autore delle Delizie infrante. Dove si trova la radice di una tale
scelta? Appunto nel decisivo rifiuto della filosofia della Pop Art. Quest'ultima
predica calorosamente l'equiparazione dell'opera, lo ripetiamo, all'oggetto
quotidiano; non sarà più solo la Pop a portare avanti una strategia del genere.
Per il pittore del “neocaravaggismo surreale”, la vita e l'arte mantengono fra
di loro un abisso, che non può essere minimamente colmato. La vita, sostiene il
nostro, è consegnata nelle mani di una deiezione dalla quale l'arte si tiene
lontana; da una tale posizione scaturisce una definizione squisitamente
romantico-decadente dell'arte la quale assume così l'aspetto di una religione,
dell'unica religione possibile ed immaginabile anche per l'uomo del Ventunesimo
Secolo. Nulla di sostanziale, dunque, sta nella vita; tutto si ritrova
nell'arte, nella pittura. Conseguentemente, l'arte assume una posa opulenta che
documenta la sua “pienezza antilogica”. Opulenza che si alimenta direttamente da
quella passione carnale che costituisce la spina dorsale dell'intera produzione
dell'artista. Alla vita ormai priva di nerbo, Ferri oppone una superumanità di
angeli e demoni, efebi e “femmine fatali”, tutti presi da un pathos
irrefrenabile che trova unicamente nell'arte il suo punto archimedico ed il suo
grandioso teatro. E qui potremmo applicare a Ferri quanto Baudelaire dice di
Delacroix. Anche nel caso del tarantino potremmo parlare di “malinconia unica e
pertinace” e della celebrazione di un “misterioso dolore”. Tutto questo perchè,
per il pittore, la carne aspira ad un infinito che non può essere colmato se non
dall'eccesso e dal superlativo, che solo lui è capace di evocare e di tessere
assieme. Ma torniamo a Danto.
Il filosofo americano sostiene che non esiste oggi un'arte “ambasciatrice
esclusiva della storia”. Per Ferri, invece, quest'arte c'è, ed è l' Anacronismo,
è lo “scandalo della memoria”, è la pittura che, forte delle sue radici
surreali, ripropone al mondo la bellezza, l'eros, la passione, lo stravolgimento
ed il dolore. Il tutto, sempre all'interno di una scelta che salda fra di loro
l'arte e la filosofia. Danto afferma che la filosofia trionfa sull'arte; anzi,
sarebbe la filosofia a garantire all'arte il suo stato. Al contrario, Ferri
pensa che l' Anacronismo possa fondare un rapporto paritario fra arte e
filosofia. Lo scopo ultimo rimane quello di riempire il vuoto lasciato da una
vita scaduta, da una vita incapace di elaborare ed esibire quel pathos che, per
l'artista, appartiene paradossalmente e magnificamente alla “lingua morta” della
pittura. Se veramente poi l'arte deve morire, è destinata ad estinguersi,
conclude Roberto Ferri, è bene che lo faccia “a vele spiegate”: gettando in
faccia al mondo la sua seduzione e la sua capacità di fascinazione; in poche
parole, la sua più alta ed intima “verità”.
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